Ahmad Jamal, de son vrai nom Frederick Russell Jones, est un pianiste et un compositeur de jazz américain né le 2 juillet 1930 à Pittsburgh en Pennsylvanie. Peu considéré par les critiques dans sa jeunesse, malgré (ou à cause d') un réel engouement public, il connaît aujourd'hui la situation inverse : peu connu du grand public, il jouit d'une réputation considérable de la part des acteurs de la scène jazz actuelle, qui n'ont de cesse de l'affubler des plus respectueux surnoms : « L’architecte », « Le prophète », « Ahmad le magnifique », « Le prestidigitateur du piano », « Le maître », « Le monstre aux deux mains droites »…

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Mellon Collie and the Infinite Sadness est le troisième album studio des Smashing Pumpkins, sorti le 24 octobre 1995 sous le label Virgin Records.

Produit par Billy Corgan, leader du groupe, assisté de Flood et Alan Moulder, l’album se compose de deux disques, intitulés Dawn to Dusk et Twilight to Starlight. Il mêle, dans ses vingt-huit pistes, plusieurs styles musicaux : rock alternatif, pop, heavy metal, grunge, musique électronique. Presque entièrement écrit par Billy Corgan, il marque néanmoins une plus grande implication de la bassiste du groupe D’arcy Wretzky et du second guitariste James Iha.

Aidé par le succès du premier single qui en est extrait, Bullet with Butterfly Wings, Mellon Collie and the Infinite Sadness est le seul album du groupe à se classer en première position au Billboard. Quatre autres singles en sont tirés : 1979, Zero, Tonight, Tonight et Thirty-Three, tous sortis tout au long de l’année 1996.

Mellon Collie and the Infinite Sadness a été certifié neuf fois disque de platine par la Recording Industry Association of America. Salué par les critiques pour son ambition et sa portée, il offre au groupe sept propositions aux Grammy Awards en 1997.

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Rage Against the Machine (alias Rage ou RATM) est un groupe mélangeant le rock, le rap et le funk, originaire des États-Unis formé en 1990 par Tom Morello et Zack de La Rocha. Avec l'arrivée en renfort de Tim Commerford et Brad Wilk, le groupe va marquer les années 1990 jusqu'à sa dissolution en 2000. Le groupe se reforme à nouveau en janvier 2007 pour le festival de Coachella soit un an avant les élections présidentielles américaines.

Le groupe se caractérise principalement par la rythmique des paroles et ses prises de position politique (contre le racisme, le capitalisme et la mondialisation). Plutôt orienté vers l’extrême gauche, RATM est connu pour ses nombreuses revendications et son appui à différents mouvements de revendication sociaux et musicaux.

Rage Against the Machine se compose de Zack de la Rocha au chant, de Tom Morello à la guitare, de Tim Commerford à la basse et de Brad Wilk à la batterie.

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John Michael Osbourne, plus connu sous le nom de Ozzy Osbourne, est un chanteur britannique de heavy metal né le 3 décembre 1948 à Aston, Birmingham. Il est également surnommé « The Prince Of Darkness » (« le Prince des Ténèbres ») en référence aux frasques de sa vie privée et de ses prestations sur scène. Il est connu à la fois pour sa carrière musicale solo, qui se poursuit toujours, et pour son rôle au sein de Black Sabbath, célèbre groupe de metal.

En 2002, l'émission de télé réalité consacrée à la vie quotidienne d'Ozzy Osbourne et de sa famille, The Osbournes, est diffusée sur la chaîne musicale MTV. Elle fait découvrir au grand public cette figure du monde du metal.

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James Marshall Hendrix, plus connu sous le nom de Jimi Hendrix (né Johnny Allen Hendrix le 27 novembre 1942 à Seattle et décédé le 18 septembre 1970 à Londres) était un guitariste, chanteur et compositeur américain. Il est considéré comme l'un des musiciens les plus novateurs du XX^e siècle, notamment en raison de son approche révolutionnaire de la guitare électrique et des techniques d'enregistrement en studio. Improvisateur sortant des sentiers battus, il libère son instrument de ses contraintes en utilisant les ressources nées de l'amplification et donne à la guitare électrique moderne ses lettres de noblesse. Son influence dépasse largement le cadre de la musique rock : la plupart des styles musicaux qui se développèrent dans les années 1970 reprirent certains éléments de sa musique. Miles Davis joua ainsi un jazz électrique très marqué par le guitariste.

Hendrix a révolutionné l'approche de la guitare électrique, notamment par son utilisation des pédales d'effet et des ressources de l'amplification. Au début de l'Experience, il combine la saturation des amplificateurs à lampes (en jouant à un haut volume sonore) avec la Fuzz Face, une pédale de saturation provoquant un fort écrêtage du son. Cela lui permettait de générer du feedback (dû au larsen de ses amplificateurs) qu'il pouvait contrôler en temps réel grâce à son levier de vibrato ou sa technique de main droite. Roger Mayer construira pour lui l'Octavia (une pédale de saturation jouant sur les fréquences en doublant à l'octave supérieure) qu'il utilisera dès l'enregistrement de Purple Haze, puis avec le Band of Gypsys. Hendrix est l'un des premiers à utiliser la pédale wah-wah (en 1967). Il est selon Larry Coryell « le premier à l'avoir abordée sérieusement et à y avoir passé des heures de pratique. »

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Nightwish est un groupe de metal symphonique finlandais formé en 1996 à Kitee, dans la région de la Carélie du Nord. Il est considéré comme l'un des représentants du genre et comme l'un des groupes responsables du gain de popularité qu'a connu le metal symphonique à la fin des années 1990.

Bien que le groupe soit devenu célèbre dans son pays natal dès la sortie de son premier single, The Carpenter (1997), la renommée internationale n'a débuté qu'avec la sortie des albums Oceanborn et Wishmaster, respectivement en 1998 et 2000, et plus particulièrement avec la chanson Sleeping Sun en 1999 qui est le premier des singles du groupe à paraître au-delà des frontières de la Finlande, lui permettant ainsi de se faire connaître à travers toute l'Europe.

En octobre 2005, les membres du groupe décident de se séparer de leur chanteuse Tarja Turunen qui est officiellement remplacée le 24 mai 2007 par la chanteuse suédoise d'Alyson Avenue, Anette Olzon. Le dernier album du groupe, Dark Passion Play, est sorti le 28 septembre 2007.

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Britney Spears (née le 2 décembre 1981) est une chanteuse, danseuse, actrice et compositrice américaine. Son univers musical est proche de la pop.

Selon sa maison de disque Jive Records, Britney Spears a vendu plus de 83 millions de disques à travers le monde. Selon la RIAA, ses albums sont certifiés à hauteur de 31 millions d’exemplaires aux États-Unis, et elle est la huitième meilleure vendeuse féminine selon le nombre d’albums certifiés. Elle a touché plus de 8 millions de dollars en 2007. Elle a également joué dans des films au cinéma et dans des séries télévisées. Son succès lui a permis de devenir l’ambassadrice de nombreuses marques et de lancer une ligne de parfums à son nom.

Britney Spears sort son premier album ...Baby One More Time en 1999, suivi de Oops!... I Did It Again en 2000 et de l’album Britney en 2001. Le disque In The Zone paraît en 2003, celui-ci contient notamment le titre Toxic qui lui permet de remporter son premier Grammy Award. Enfin, après un greatest hits et un album de remixes, elle a sorti fin 2007 son cinquième opus, Blackout suivi un an plus tard par Circus. Fin 2009, elle sort un second greatest hits : The Singles Collection. En 2011, la chanteuse est de retour avec un septième album nommé Femme Fatale.

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Madonna est une chanteuse Pop mais également auteur-compositeur, productrice cinématographique et artistique, danseuse, actrice et femme d'affaire américaine. Sa carrière est marquée par son succès mondial sur la scène musicale et de multiples controverses qu'elle a suscitées. Elle est surnommée Queen of Pop (« Reine de la pop »).

Elle utilise ses vidéo-clips, ses concerts et ses interviews pour communiquer ses points de vue sur la religion, la sexualité et la politique. En 2006, le Livre Guinness des records la nomme comme la chanteuse la mieux payée au monde. Personnage incontournable de la musique populaire depuis vingt-cinq ans, Madonna a été cité par le Guiness Book des records comme l'artiste féminine la plus populaire de tous les temps. Ses ventes d'albums sont estimées à environ 200 millions d'exemplaire dans le monde.

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Freddie Mercury, né Farrokh (ou Faroukh) Pluto Bulsara le 5 septembre 1946 à Stone Town, dans le protectorat de Zanzibar (aujourd'hui intégré à la Tanzanie) et mort le 24 novembre 1991 à Londres, était un chanteur de rock britannique.

Avec une étendue vocale peu commune et une bonne maîtrise de quelques techniques d'opéra, il demeure, parmi les chanteurs de rock du XX^e siècle, l'un des plus populaires et techniquement accomplis. Leader du groupe Queen, il compose plusieurs de ses grands succès, dont Bohemian Rhapsody, Somebody to Love et We Are the Champions. Il apparaît sur la « liste des cent Britanniques les plus célèbres » établie en 2002 par vote national ; il y est classé cinquante-huitième.

Mercury se fait connaître principalement avec Queen en tant que chanteur charismatique et homme de scène accompli, dont les performances en public sont encore considérées à ce jour comme parmi les plus impressionnantes du rock moderne. Séropositif depuis 1987, il est finalement emporté par une pneumonie. Sa fin de vie et son décès, très médiatisés, en particulier à l'occasion du Freddie Mercury Tribute, attirent l'attention du public sur cette maladie et sur les comportements à risques.

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Gwendolyn Renée Stefani, plus connue sous nom de scène Gwen Stefani est une chanteuse, auteur compositeur et styliste américaine née le 3 octobre 1969 à Fullerton, Californie, États-Unis. Elle est principalement connue pour être membre du groupe No Doubt depuis 1987 en tant que chanteuse du groupe dont le premier album No Doubt est sorti en 1992, suivi de The Beacon Street Collection et Tragic Kingdom tous les deux sortis en 1995, puis le groupe est de retour en 2000 avec Return of Saturn suivi en 2001 de Rock Steady, qui comprend la chanson Hey Baby. En 2004, Stefani lance sa carrière solo avec son premier album Love. Angel. Music. Baby., suivi en 2006 par l'album The Sweet Escape. En 2008, Stefani réintègre le groupe No Doubt qui se reforme.

En 2003, elle débute dans le stylisme avec de ligne de vêtement L.A.M.B. et étend çà collection avec en 2005 la ligne Harajuku Lovers, avec une forte inspiration de la mode et la culture japonaise. Lors que Stefani se produit en concert, elle est accompagnée des danseuses les Harajuku Girls. En 2002, elle se marrie avec le musicien grunge Gavin Rossdale, avec qui elle a deux fils, le premier Kingston James McGregor Rossdale né le 26 mai 2006, et le second Zuma Nesta Rock Rossdale, né le 20 août 2008.

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Pixies est un groupe de rock alternatif américain formé en 1986 à Boston, Massachusetts. Le groupe s’est séparé en janvier 1993 dans des conditions quelque peu houleuses, mais s’est reformé en avril 2004. Depuis l'origine, il est constitué de 4 membres : Black Francis (né Charles Thompson IV, et ayant aujourd'hui pour nom d'artiste Frank Black) (chant et guitare rythmique), Joey Santiago (guitare lead), Kim Deal (basse et chant) et David Lovering (batterie). Le groupe n'a rencontré qu'un modeste succès dans son pays d'origine, mais a été beaucoup mieux accueilli en Europe, sans que pour autant ses albums touchent le grand public.

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Renaud Séchan dit Renaud est un auteur-compositeur-interprète français né à Paris le 11 mai 1952.

Avec 23 albums totalisant plus de 15 millions d'exemplaires, Renaud est l'un des chanteurs les plus populaires en France et l'un des plus connus dans la francophonie. Il utilise ses chansons pour critiquer la société, rendre hommage ou faire sourire par un usage intensif d'argot dans ses paroles.

Il s'est lui-même surnommé le chanteur énervant en raison de ses multiples engagements pour des causes comme les droits de l'homme, l'écologisme ou l'antimilitarisme qui transparaissent fréquemment dans ses chansons et qui ont suscité de nombreuses réactions tout au long de sa carrière. Si elles ont souvent été contestées, il est devenu au fil des années l'un des Français les plus populaires.

Il a également joué dans quelques films, notamment dans l'adaptation de Germinal par Claude Berri en 1993, et dans Wanted de Brad Mirman en 2003.

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Le punk rock est un genre musical dérivé du rock, apparu au milieu des années 1970, associé au mouvement punk de cette même époque. Précédé par une variété de musique protopunk des années 1960 et du début des années 1970, le punk rock se développe surtout entre 1974 et 1976 aux États-Unis, au Royaume-Uni et en Australie. Des groupes comme les Ramones, les Sex Pistols, et The Clash sont reconnus comme les pionniers d’un nouveau mouvement musical. En 1977, le punk rock essaime un peu partout dans le monde.

Les groupes de punk rock, évitant les excès qu’ils perçoivent dans le rock populaire des années 1970, créent une musique rapide et rude, généralement servie par des chansons de courte durée, une instrumentation simplifiée et des paroles souvent chargées de messages politiques ou nihilistes. Le mouvement punk, associé au genre, exprime une rébellion jeune et est caractérisé par des styles vestimentaires distinctifs, une variété d’idéologies anti-autoritaires et une attitude do it yourself (« Faites-le vous-même »).

Le punk rock est rapidement devenu un phénomène culturel majeur au Royaume-Uni. En majorité, les racines du punk se trouvent dans des scènes locales qui ont eu tendance à rejeter toute connexion avec les courants musicaux dominants. Pendant les années 1980, des styles encore plus rapides et agressifs, tels que le punk hardcore et la Oi!, ont évolué et sont devenus une composante importante du paysage punk. Des musiciens s’identifiant ou s’inspirant du punk rock lui ont permis de s’élargir et se diversifier. Ces pratiques ont notamment donné naissance au mouvement rock alternatif. À partir du milieu des années 1990, de nouveaux groupes de pop punk comme Green Day ou The Offspring offrent au genre une nouvelle popularité plusieurs décennies après son émergence.

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The Beatles est un groupe musical britannique originaire de Liverpool. Composé de John Lennon, Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr, il demeure, en dépit de la séparation de ses membres en 1970, l'un des groupes de rock les plus populaires au monde. En dix ans d'existence, et seulement huit ans de carrière discographique (de 1962 à 1970), les Beatles ont sorti douze albums et ont composé plus de 200 chansons, soit en moyenne un album tous les neuf mois, productivité particulièrement remarquable dans la période 1963-1966, où, entre les tournées incessantes et la participation à deux longs métrages, ils ont publié sept albums, treize singles et douze maxis.

Les chansons des Beatles ont marqué les années 1960 et les générations suivantes, et leurs mélodies ont été adaptées à de nombreux genres musicaux, notamment le jazz, la salsa, le reggae ou la musique classique (symphonique) et baroque. Au XXI^e siècle, le groupe jouit toujours d’une grande popularité ; ses chansons sont jouées et reprises dans le monde entier. Le duo d’auteurs-compositeurs Lennon/McCartney reste célèbre comme créateur de standards qui ont fait l’objet de milliers d'adaptations dans les décennies suivantes.

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Queen est un groupe de rock britannique, formé en 1970 à Londres par Brian May, Roger Taylor et Freddie Mercury, tous trois issus du groupe Smile. L’année suivante, le bassiste John Deacon vient compléter la formation et Queen prend son nom définitif.

Groupe britannique qui a connu le plus grand nombre de succès commerciaux ces trente dernières années, pionnier du clip vidéo ayant exploité avec succès ce mode de communication dès 1975, Queen a conservé, malgré la mort de son leader Freddie Mercury en 1991, de très nombreux inconditionnels dans le monde entier.

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Bohemian Rhapsody est une chanson écrite par Freddie Mercury, enregistrée par le groupe Queen pour l'album A Night at the Opera, sorti en 1975. La chanson, qui adopte le style opéra rock, repose sur une structure assez inhabituelle pour un titre de musique pop : découpée en six parties, elle est dépourvue de refrain et comporte des arrangements tantôt a cappella, tantôt hard rock. En dépit de la singularité de son format, elle sort en 45 tours (single) et devient un immense succès commercial, marquant une étape décisive dans la carrière du groupe Queen et posant les jalons de sa reconnaissance au panthéon des grands groupes de rock internationaux. Le morceau est accompagné de ce que l'on nomme alors une vidéo promotionnelle, aujourd'hui considérée comme ayant contribué à fixer les bases du langage visuel moderne employé dans les clips vidéo. Par la suite, Bohemian Rhapsody demeure systématiquement joué lors des concerts du groupe et jouit toujours d'une très grande popularité de par le monde.

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Revolution est une chanson des Beatles, composée par John Lennon et publiée dans deux versions différentes en 1968. La première version est enregistrée dès le premier jour des sessions de l’album The Beatles, le 30 mai 1968. Dans un style blues et lent, harmonisée et arrangée avec des cuivres, cette chanson n’est pas jugée assez commerciale pour paraître en single. Sous l’impulsion de Lennon, une autre version est donc mise en boîte en juillet, cette fois plus rapide, aux sonorités hard rock avec des guitares saturées. Revolution est commercialisée sous cette forme en face B du single Hey Jude le 26 août 1968 aux États-Unis et le 30 août au Royaume-Uni, alors que la version lente, dénommée Revolution 1, ne paraît que trois mois plus tard, sur la quatrième face de l’album dit « blanc ».

Revolution est la première chanson ouvertement politique des Beatles. Elle s’inscrit dans le contexte politico-social particulièrement agité de 1968, et constitue la réponse de Lennon aux divers groupes révolutionnaires qui demandaient son soutien financier et moral. Le titre est trompeur, parce que le texte n’appelle pas à un soulèvement massif, mais plutôt à une remise en question quant à la façon de révolutionner les choses, qui devrait selon l’auteur se faire sans violence. Toutefois, Lennon a mis un certain temps pour être sûr de son idée : lorsqu’il est question de destruction, il ne s’affirme pas encore tout à fait contre dans la première version de la chanson, Revolution 1…

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La Sonate pour piano n^o 32 en ut mineur, opus 111, a été composée par Ludwig van Beethoven entre 1820 et 1822. Dernière sonate du compositeur, elle est, avec les Variations Diabelli op. 120 (1823) et les deux recueils de Bagatelles op. 119 (1822) et 126 (1824), une des dernières œuvres pour piano de Beethoven. Son second mouvement, une Arietta à variations, est parfois surnommé « l'adieu à la sonate ».

Beethoven a conçu le plan de ses trois dernières sonates pour piano (op. 109, 110 et 111) au cours de l'été 1820, tandis qu'il travaillait à la Missa Solemnis. La composition de la sonate opus 111 a représenté un travail long et complexe. Bien que l'œuvre n'ait été sérieusement ébauchée qu'à partir de 1819, le fameux premier thème de l’allegro ed appassionato a été retrouvé dans un cahier d'esquisses de 1801, contemporain de la Deuxième Symphonie. L’Arietta résulte, elle aussi, d'un travail de recherche thématique considérable. Les esquisses retrouvées semblent indiquer que c'est à partir du moment où le second mouvement prend véritablement forme que Beethoven abandonne l'idée d'un troisième, la sonate lui apparaissant alors construite de façon idéale.

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Le Boléro de Maurice Ravel est une musique de ballet pour orchestre en do majeur composée en 1928 pour les ballets d'Ida Rubinstein.

Mouvement de danse au rythme et au tempo invariables, à la mélodie uniforme et répétitive, le Boléro de Ravel tire ses seuls éléments de variation des effets d'orchestration, d'un crescendo progressif et in extremis d'une courte modulation en mi majeur. Cette œuvre singulière, que Ravel disait considérer comme une simple étude d'orchestration, a suscité dès sa création une très large diffusion jusqu'à devenir, de nos jours encore, une des œuvres musicales les plus jouées dans le monde. Mais la popularité du Boléro tend à masquer l'ampleur de son originalité et les véritables desseins de son auteur.

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Frédéric Chopin est un compositeur et pianiste polonais né le 1^er mars 1810 à Żelazowa Wola, dans le Duché de Varsovie (actuelle Pologne), et mort le 17 octobre 1849 à Paris de la tuberculose. Il a des origines lorraines de par son père. Son nom de naissance étant Fryderyk Franciszek Chopin, il adopta ses prénoms francisés Frédéric-François lorsqu'il quitta définitivement la Pologne pour Paris.

Chopin manifeste très tôt de grandes dispositions pour la musique. Il possède en effet l'oreille absolue et fait preuve encore jeune d'une sensibilité exceptionnelle. Il commence donc son éducation musicale à six ans et compose sa première œuvre, la Polonaise en sol mineur, à l'âge de sept ans. Il fait sa première apparition sur scène à huit ans, dans un salon aristocratique de Varsovie.

Par son don prodigieux, le petit Chopin, qui connait déjà dans son pays une certaine renommée, est rapidement comparé à Mozart.

D'une santé très fragile, il cherche à exprimer dans sa musique toute l'intensité des joies qu'il connaît, son attachement au peuple polonais ou la tristesse profonde qui le minera jusqu'à la mort, il est l’un des plus célèbres pianistes virtuoses du XIX^e siècle et un grand compositeur de musique romantique. Sa musique est encore aujourd’hui l’une des plus jouées et demeure un passage indispensable à l’appréhension de la musique au piano.

Il est, avec Franz Liszt, le père de la technique pianistique moderne et l’origine de toute une lignée de compositeurs : Gabriel Fauré, Ravel, Rachmaninov, Scriabine.

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Franz Liszt (Liszt Ferenc en hongrois) est un compositeur et pianiste hongrois, sujet des Habsbourg, né à Doborján (all. Raiding, aujourd'hui en Autriche) le 22 octobre 1811 et décédé à Bayreuth (Allemagne) le 31 juillet 1886.

Liszt est le père de la technique pianistique moderne et du récital. Avec lui, naissent l'impressionnisme au piano, le piano orchestral — Mazeppa, la quatrième étude d'exécution transcendante — et le piano littéraire — les Années de pèlerinage.

Il est à l'origine — avec Frédéric Chopin — de toute une lignée de compositeurs: Ravel, Rachmaninov, Scriabine.

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Jean-Philippe Rameau (* Dijon, 25 septembre 1683 - † Paris, 12 septembre 1764) était un compositeur français et théoricien de la musique.

L'œuvre lyrique de Rameau forme la plus grande partie de sa contribution musicale et marque l'apogée du classicisme français, dont les canons s'opposèrent avec force à ceux de la musique italienne jusque tard au cours du XVIII^e siècle. Dans ce domaine, la création la plus célèbre du compositeur est sans conteste l'opéra-ballet Les Indes galantes (1735). Cette partie de sa production est curieusement restée oubliée pendant près de deux siècles, mais bénéficie aujourd'hui d'un mouvement de redécouverte. Ses œuvres pour clavecin, en revanche, ont toujours été présentes au répertoire : Le Tambourin, L'Entretien des Muses, Le Rappel des Oiseaux, La Poule, entre autres pièces connues, furent jouées au XIX^e siècle (au piano) à l'égal de celles de Bach, Couperin ou Scarlatti.

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Maurice Ravel (Ciboure, 7 mars 1875 – Paris, 28 décembre 1937) était un compositeur français de l’époque moderne. Son œuvre, fruit d'une recherche obstinée de perfection et d'un héritage complexe s'étendant de Rameau aux pionniers du jazz, dénote un style original qui, après avoir participé au début du siècle du mouvement dit impressionniste, s'orienta vers un néoclassicisme plus dépouillé. Reconnu comme un maître de l’orchestration et un artisan méticuleux, Ravel ne s'est jamais départi d'une sensibilité et d'une expressivité qui lui firent évoquer dans son œuvre « les jeux les plus subtils de l’intelligence et les épanchements les plus secrets du cœur » (Le Robert).

Assez peu prolifique (quatre-vingt six œuvres originales, vingt-cinq orchestrations et arrangements), la production musicale de Ravel présente une proportion remarquablement élevée d'œuvres considérées comme majeures. Le ballet Daphnis et Chloé, le Boléro, les deux concertos pour piano et orchestre (pour la main gauche ; en sol majeur), la suite Ma Mère l’Oye et l’orchestration des Tableaux d’une exposition de Moussorgski sont les six œuvres qui ont le plus largement contribué, depuis des décennies, à sa renommée internationale.

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Antonio Lucio Vivaldi, né le 4 mars 1678 à Venise et mort le 28 juillet 1741 à Vienne, était un violoniste et compositeur italien. Vivaldi a été l’un des virtuoses du violon les plus admirés de son temps (« incomparable virtuose du violon » selon un témoignage contemporain) ; il est également reconnu comme l’un des plus importants compositeurs de la période baroque, en tant qu'initiateur principal du concerto de soliste, genre dérivé du concerto grosso. Son influence, en Italie comme dans toute l’Europe, a été considérable, et peut se mesurer au fait que Bach a adapté et transcrit plus d’œuvres de Vivaldi que de n'importe quel autre musicien. Son activité s’est exercée dans les domaines de la musique instrumentale, particulièrement au violon, et de celui de la musique lyrique, et elle a donné lieu à la création d’un nombre considérable de concertos, sonates, opéras, pièces religieuses : il se targuait de pouvoir composer un concerto plus vite que le copiste ne pouvait le transcrire.

Prêtre catholique, sa chevelure rousse le fit surnommer il Prete rosso, « Le Prêtre roux », sobriquet peut-être plus connu à Venise, que son véritable nom ainsi que le rapporte Goldoni dans ses Mémoires. Comme ce fut le cas pour de nombreux compositeurs du XVIII^e siècle, sa musique, de même que son nom, fut vite oubliée après sa mort. Elle ne devait retrouver un certain intérêt auprès des érudits qu’au XIX^e siècle, à la faveur de la redécouverte de Jean-Sébastien Bach ; cependant sa véritable reconnaissance a eu lieu pendant la première moitié du XX^e siècle, grâce aux travaux d'érudits ou musicologues tels Arnold Schering ou Alberto Gentili, à l'implication de musiciens tels Marc Pincherle, Olga Rudge, Angelo Ephrikian ou Alfredo Casella, à l'enthousiasme d'amateurs éclairés comme Ezra Pound.

Aujourd’hui, certaines de ses œuvres instrumentales, et notamment les quatre concertos connus sous le titre « Les Quatre Saisons » comptent parmi les plus populaires du répertoire classique.

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A Day in the Life est une chanson du groupe britannique The Beatles. Elle a été écrite par John Lennon et Paul McCartney. Elle clôture l’album Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band sorti en 1967. Cette chanson est en fait un « collage » de deux morceaux inachevés, l’un de John Lennon et l’autre de Paul McCartney, le dernier morceau étant ajouté au centre de celui de Lennon.

A Day in the Life est très souvent considérée comme le joyau de Sgt. Pepper, en tant que morceau le plus remarquable dans sa conception et le plus riche dans son contenu. La chanson est notable pour ses paroles surréalistes, son aspect musicalement impressionniste, ses techniques de production innovantes et son arrangement complexe incluant un crescendo d’orchestre cacophonique et partiellement improvisé.

Marquée par l’atmosphère psychédélique qui règne autour de la conception de Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, A Day in the Life est aussi citée comme liée au genre rock progressif et a fortiori à l’émergence de celui-ci.

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Dropkick Murphys est un groupe de punk celtique/oi! formé en 1996 à Quincy, ville au sud de Boston (Massachusetts), États-Unis. Il mêle des influences de musique irlandaise traditionnelle, punk hardcore, oi! et folk rock.

À ses débuts, la formation comprend Mike McColgan (chant) Ken Casey (basse, chant), Rick Barton (guitare, chant) et Matt Kelly (batterie). Au fil de sa carrière, Dropkick Murphys acquiert une réputation importante grâce à de nombreuses tournées dans le monde entier et à l'organisation des week-ends de la Fête de la Saint-Patrick à Boston, auxquels des milliers de fans assistent chaque année.

Le groupe se fait également connaître avec la reprise de bon nombre de chansons traditionnelles irlandaises, telles que Cadence to Arms, Finnegan's Wake, The Fighting 69th, Black Velvet Band ou encore The Auld Triangle. Enfin, il connaît le succès commercial avec l'album The Warrior's Code et notamment le tube I'm Shipping Up To Boston, multi-diffusé sur les radios américaines et utilisé dans le film de Martin Scorsese, Les Infiltrés.

La devise du groupe évoque l'importance de la famille et de la fierté à l'égard de ses origines. Il se présente souvent comme la voix des ouvriers et s'implique beaucoup dans les œuvres caritatives dans le Massachusetts. Par ailleurs, plusieurs des chansons rendent hommage à certaines personnes disparues, proches ou non de la formation, à l'image du sergent Farrar, fan du groupe et mort en Irak.

Leurs influences vont de Thin Lizzy à Stiff Little Fingers, en passant par The Pogues, The Clash, The Dubliners ou encore AC/DC.

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Rancid est un groupe de punk rock/ska punk américain originaire de Californie formé dans les années 1990, considéré par la presse comme le renouveau du punk rock aux États-Unis à cette époque.

Le groupe est composé de Tim Armstrong et Lars Frederiksen à la guitare et au chant, de Matt Freeman à la basse et de Branden Steineckert à la batterie.

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Zakk Wylde, né Jeffrey Phillip Wielandt le 14 janvier 1967 à Bayonne (New Jersey), est un guitariste américain.

Guitariste de Ozzy Osbourne de 1988 à 1995 et de 2001 à 2009, il est reconnaissable grâce à son allure de viking, son jeu rapide et son « pinch harmonique ». Guitariste et chanteur de son propre groupe de heavy metal, Black Label Society, il continue de jouer en parallèle avec Ozzy Osbourne pendant 15 ans. Son poste de guitariste est néanmoins en suspens depuis que Ozzy Osbourne a engagé Gus G. à sa place, durant l'été 2009.

Figure du heavy metal américain et principal compositeur de No More Tears, l'album d'Ozzy Osbourne le plus vendu, Wylde est, durant ces dernières années, à l'origine du son actuel d'Osbourne. Ainsi est-il consacré en 2006, avec son entrée au Hollywood's RockWalk of Fame, parmi d'autres grands noms de la musique.

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Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band (en français : « La Fanfare du Club des Cœurs Solitaires du Sergent Poivre ») est le huitième album des Beatles. Cet album est souvent cité comme leur plus grande œuvre et l’un des albums les plus influents de tous les temps par les critiques, figurant entre autres à la première place dans la liste des 500 plus grands albums de tous les temps du magazine Rolling Stone. Enregistré par les Beatles sur une période de 129 jours, l’album est sorti le 1^er juin 1967 en Grande-Bretagne et le jour suivant aux États-Unis.

Par son retentissement, par la façon dont il a révolutionné l’industrie du disque, par sa durée de vie dans les hit-parades, par la force avec laquelle il a capté l’air de son temps — il fut la « bande sonore » du Summer of Love —, Sgt. Pepper reste encore à ce jour une pierre angulaire de l’histoire de la musique et de la culture populaire de la seconde moitié du XX^e siècle.

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Mike Porcaro, né Michael Joseph Porcaro le 29 mai 1955 à Hartford, Connecticut, est un bassiste américain. Son jeu mêle des influences de rock et de jazz-rock fusion.

Frère de Steve et Jeff Porcaro, il est depuis 1984, après le départ de David Hungate, le bassiste du groupe de rock californien Toto, avec lequel il a effectué la quasi-totalité de sa carrière musicale. Il a participé à tous les albums studio et live du groupe, depuis Toto IV jusqu’à Falling in Between, sorti en février 2006.

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R.E.M. est un groupe de rock américain formé à Athens (Géorgie) en 1979 par Michael Stipe (chant), Peter Buck (guitare), Mike Mills (basse) et Bill Berry (batterie). Ce fut l'un des premiers groupes de rock alternatif populaires, attirant très tôt l'attention grâce au jeu de guitare en arpèges de Buck et aux paroles énigmatiques de Stipe.

R.E.M. sort son premier single, Radio Free Europe, en 1981, suivi de l'EP Chronic Town en novembre 1981. Le groupe sort un deuxième album encensé par la critique, Murmur, en 1983, et bâtit sa réputation durant les années suivantes à travers plusieurs albums, des tournées incessantes et le soutien des radios étudiantes. Après plusieurs années de succès « underground », R.E.M. touche le grand public avec le titre The One I Love. Le groupe signe alors avec Warner Bros. Records en 1988, et commence à s'engager sur le plan politique et environnemental, tout en se produisant dans des salles de plus en plus importantes dans le monde entier.

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The Sweet Escape est le second album solo de la chanteuse américaine Gwen Stefani, publié par Interscope Records en décembre 2006. Après avoir eu l'intention de retourner avec le groupe No Doubt suite à son premier album solo Love. Angel. Music. Baby., Stefani décide d'enregistrer un deuxième album avec des chansons mises de côté lors de la création de L.A.M.B..

La musicalité de l'album ressemble à celle du précédent mais explore des sons pop plus modernes. Il reçoit des critiques contrastées du fait de la similarité avec L.A.M.B.. L'album est sorti après le single Wind It Up, et est suivi par The Sweet Escape. Une tournée a été organisée pour soutenir l'album, The Sweet Escape Tour, qui a commencé en avril 2007 pour se terminer en novembre 2007, en passant par l'Amérique du Nord, l'Amérique latine, l'Australie, l'Asie et l'Europe.

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Strawberry Fields Forever est une chanson du groupe britannique The Beatles, parue en 1967. Écrite par John Lennon, elle est cependant créditée Lennon/McCartney, comme tous les morceaux des Beatles composés par l’un ou l’autre.

Fin novembre 1966, Strawberry Fields Forever est la première chanson que les Beatles enregistrent pour leur prochain album, qui ne porte pas encore de nom mais qui deviendra Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Toutefois, elle n’y figurera pas, ayant été précédemment publiée en 45 tours « double face A » avec Penny Lane de Paul McCartney. Leur manager Brian Epstein voulait en effet maintenir la popularité du groupe après une inhabituelle période de six mois sans publication inédite. Le single sort ainsi le 13 février 1967 aux États-Unis et le 17 février au Royaume-Uni. Au mois de novembre 1967, Strawberry Fields Forever est à nouveau publiée sur la version américaine de l’album Magical Mystery Tour.

John Lennon se trouve en Andalousie, sur le tournage du film How I Won the War, lorsqu’il compose la chanson. Parti du thème de la nostalgie et de l’enfance — Strawberry Field était un orphelinat aux environs duquel il jouait étant enfant —, il en fait une chanson introspective et abstraite sur sa vision personnelle du monde qui l’entoure. L’ambiance surréaliste et onirique qui en résulte, augmentée du thème musical rappelant les effets du LSD, fait de Strawberry Fields Forever un des morceaux fondateurs du rock psychédélique. L’enregistrement de la chanson a lieu aux studios EMI de Londres et s’étale sur un mois entier.

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London Calling est le troisième album du groupe britannique The Clash, édité par CBS Records et sorti le 14 décembre 1979 au Royaume-Uni puis en janvier 1980 aux États-Unis sous le label Epic Records.

Album rock de référence, ce disque polyvalent mêle de nombreux styles : rock 'n' roll, ska, reggae, pop, rap, soul, punk, new wave. Les thèmes abordés et dénoncés à travers les morceaux sont le chômage, la consommation de drogues, les conflits raciaux, la politique ainsi que les responsabilités des adultes dans la société. Avec ce double album, le groupe souhaite alors marquer sa différence avec le reste du mouvement punk qu'il juge sur le déclin.

Vendu à près de deux millions d'exemplaires dans le monde, l'album est certifié disque de platine aux États-Unis et permet aux Clash de sortir du microcosme punk.

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Hey Jude est une chanson des Beatles parue en single le 26 août 1968 aux États-Unis, et quatre jours plus tard au Royaume-Uni, avec Revolution de John Lennon en face B. C’est le premier disque des Beatles publié sous leur propre label, Apple Records. Composée par le seul Paul McCartney — mais créditée Lennon/McCartney —, Hey Jude était destinée à soutenir Julian Lennon, le fils de John, lors du divorce de ses parents.

Musicalement, Hey Jude se distingue, après quatre couplets, par une longue coda de plus de quatre minutes (« Na na na nananana nananana Hey Jude... »), ce qui donne à ce titre une durée supérieure à sept minutes ; cette longueur inhabituelle obligea d’ailleurs les techniciens à compresser certaines parties de la chanson, pour pouvoir la faire tenir en entier sur le support d’alors, le 45 tours.

À l’époque de sa sortie, Hey Jude est la plus longue chanson à atteindre la première place du hit-parade britannique, où elle s’installe durant deux semaines, et en passe seize en tout dans les classements. Elle reste également neuf semaines en tête du hit-parade américain, la plus longue durée pour un single du groupe sur ce territoire. Hey Jude est ainsi le plus gros succès mondial des Beatles en 45 tours, numéro un dans onze pays différents, notamment en Australie, au Canada, en Autriche, en Suisse, en Norvège et en France.

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Edition of Contemporary Music, plus connu sous son sigle ECM, est un label allemand de jazz, de musique classique et de musique contemporaine, installé à Gräfelfing, dans la banlieue de Munich.

Le label a été créé par le contrebassiste Manfred Eicher à Munich en 1969, et s'est rapidement imposé comme une maison de disque avec une direction musicale originale voire visionnaire. Son influence a durablement marqué la production du jazz, en renforçant la visibilité d'un « jazz européen ». Le label a été la cible de critiques de la part de certains amateurs et critiques de jazz, trouvant les productions ECM dépourvues de swing, aseptisées, froides et monochromes.

ECM a aussi diversifié sa production en s'intéressant à la musique classique, la musique contemporaine et aux musiques du monde, en lançant les « ECM New Series » dédiées aux musiques hors jazz.

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Rob Zombie, de son vrai nom Robert Bartleh Cummings, est un chanteur et musicien américain de metal industriel, ainsi qu’un réalisateur de films d’horreur, né le 12 janvier 1966 à Haverhill, dans le Massachusetts.

Après avoir formé le groupe White Zombie à la fin des années 1980 et édité six albums enregistrés en studio, il forme son propre groupe, Rob Zombie, et publie trois albums. Rob Zombie est devenu l’un des précurseurs du metal industriel avec le succès de ses deux premiers albums Hellbilly Deluxe et The Sinister Urge.

En parallèle à sa carrière de chanteur, Zombie est réalisateur et scénariste de films d’horreur, avec quatre longs métrages à son actif (La Maison des 1 000 morts, The Devil’s Rejects, Halloween, Halloween 2), un court métrage (Werewolf Women of the S.S.) et un dessin animé (The Haunted World of El Superbeasto). Enfin, il est également scénariste de comics, et, parmi ses publications les plus connues, on retrouve Rob Zombie’s Spookshow International, en dix volumes, et The Nail, en quatre éditions.

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Strawberry Fields Forever est une chanson du groupe britannique The Beatles, parue en 1967. Écrite par John Lennon, elle est cependant créditée Lennon/McCartney, comme tous les morceaux des Beatles composés par l’un ou l’autre.

Fin novembre 1966, Strawberry Fields Forever est la première chanson que les Beatles enregistrent pour leur prochain album, qui ne porte pas encore de nom mais qui deviendra Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band. Toutefois, elle n’y figurera pas, ayant été précédemment publiée en 45 tours « double face A » avec Penny Lane de Paul McCartney. Leur manager Brian Epstein voulait en effet maintenir la popularité du groupe après une inhabituelle période de six mois sans publication inédite. Le single sort ainsi le 13 février 1967 aux États-Unis et le 17 février au Royaume-Uni. Au mois de novembre 1967, Strawberry Fields Forever est à nouveau publiée sur la version américaine de l’album Magical Mystery Tour.

John Lennon se trouve en Andalousie, sur le tournage du film How I Won the War, lorsqu’il compose la chanson. Parti du thème de la nostalgie et de l’enfance — Strawberry Field était un orphelinat aux environs duquel il jouait étant enfant —, il en fait une chanson introspective et abstraite sur sa vision personnelle du monde qui l’entoure. L’ambiance surréaliste et onirique qui en résulte, augmentée du thème musical rappelant les effets du LSD, fait de Strawberry Fields Forever un des morceaux fondateurs du rock psychédélique. L’enregistrement de la chanson a lieu aux studios EMI de Londres et s’étale sur un mois entier.

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Neil Ellwood Peart, O.C., né le 12 septembre 1952 à Hamilton, Ontario est un musicien et auteur canadien. Il est principalement connu pour être le batteur et le principal parolier du groupe de rock progressif Rush.

Peart rejoint Rush en 1974, en remplacement de John Rutsey. Tôt dans sa carrière, il ancre son style dans le hard rock. Son inspiration vient en grande partie des batteurs sur le devant de la scène britannique, comme Keith Moon et John Bonham. Au fur et à mesure des années, il oriente son style vers le jazz dans la lignée de Gene Krupa et Buddy Rich.

Neil Peart a reçu de nombreuses récompenses pour ses performances musicales et est réputé pour ses talents techniques et son énergie. Il a aussi publié plusieurs livres au sujet de ses voyages.

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No One est une chanson de Alicia Keys tirée de son troisième album studio, As I Am sorti en 2007. Écrit et produit par Keys, Kerry Brothers Jr., et George D. Harry, il est le premier single de l'album et sort en septembre 2007. Ce single, qui est le plus gros succès d'Alicia Keys, arrive en première place de plusieurs classements du hit parade, dont le Billboard Hot 100 pendant cinq semaines consécutives et le Billboard Hot R & B / Hip-Hop Songs durant dix semaines consécutives. No One se classe 42^e au Billboard Hot 100 All-Time Top Songs et 14^e au Billboard Hot 100 R & B / Hip-Hop Songs. Il s'agit de son deuxième single numéro un aux États-Unis après Fallin’ en 2001. En 2009, la chanson se classe à la sixième place du Billboard Hot 100 consacré aux meilleures chansons de la décennie.

La chanson remporte le prix de la meilleure performance R'n'B féminine et la meilleure chanson R'n'B aux Grammy Awards 2008. Lors de la cérémonie, Alicia Keys la chante en duo avec John Mayer. No One est également la chanson la plus écoutée à la radio américaine en 2008 avec 3,08 milliards d'auditeurs.

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Nolwenn Korbell, née à Quimper le 3 février 1968, est un auteur-compositeur-interprète et une actrice française d'expression bretonne et française et, occasionnellement, galloise, anglaise, serbe et russe. Connue pour ses chansons en breton, avec ses musiciens ou en duo avec le guitariste Soïg Sibéril, elle continue en parallèle sa carrière d'actrice. Auteur de quatre albums studio, elle donne régulièrement des concerts lors des principaux événements du monde celte, joue dans des pièces de théâtre, participe au doublage de films et de dessins animés.

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Everybody est le premier single de la chanteuse américaine Madonna, sorti en octobre 1982. Il apparaît ensuite sur l'album Madonna, en 1983.

La chanson, de style pop-dance-electro-disco, est un succès dans les discothèques dès sa sortie et se classe numéro 3 au Billboard Hot Dance/Club Play Chart. La chanson est produite par le DJ new-yorkais Mark Kamins et écrite par Madonna.

Le titre est joué pour la première fois à la Danceteria, une boite de nuit new-yorkaise, où la démo, coproduite avec Stephen Bray, est « donnée » à Mark Kamins, le DJ du club. La chanson sort sous forme de vinyle le 6 octobre 1982 aux USA. La pochette représente un collage de scènes de rue de New York et, jusque-là, les auditeurs pensent encore que Madonna est une chanteuse disco noire.

Réalisé avec un petit budget, le clip vidéo de la chanson a permis à Madonna de se faire reconnaître dans tout le pays et de faire la promotion de son disque. Ce clip est tourné lors d'une représentation en direct dans une boîte de nuit ; Madonna y chante Everybody, accompagnée de ses danseurs, devant le public.

Malgré tout, Madonna semble très attachée à cette chanson, si bien qu'elle fait l'ouverture du célèbre Blond Ambition Tour, le final du Girlie Show, dernièrement remis au goût du jour par Stuart Price pour le Confessions Tour. Elle est incluse dans les compilations You Can Dance et Celebration.

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The Sweet Escape est une chanson pop écrite par Gwen Stefani, Akon et Giorgio Tuinfort pour le second album de Gwen Stefani, The Sweet Escape, sorti en décembre 2006. Cette chanson comprend des éléments de doo-wop. Le thème des paroles est une dispute entre deux amoureux, qui veulent être heureux. La chanson est conçue sur les bases des chansons du groupe No Doubt. Cette chanson a donné son titre au second album solo de Gwen Stefani. The Sweet Escape a été choisi comme deuxième single pour relancer les ventes de l'album ainsi que pour le lancement de la ligne de vêtement de Stefani.

La chanson a globalement reçu des critiques positives même si cependant la participation d'Akon n'a pas convaincu. Ce titre est le deuxième single extrait de The Sweet Escape. Sorti en janvier 2007, le single est un succès commercial. La chanson s'est classée dans plus de dix hit-parades, entre autres en tête du RIANZ pour la Nouvelle-Zélande. La chanson a été nommée aux 50^es Grammy Awards. Un clip vidéo a été produit pour la chanson, dans lequel Stefani essaye de s'échapper d'une prison d'or.

En France, le single physique s'est vendu à un peu plus de 57 100 exemplaires, ce qui le place à la 40^e place des singles les plus vendus en 2007.

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Toto est un groupe de musique rock américain fondé dans les années 1970 en Californie par Jeff Porcaro (batterie) et David Paich (clavier). Le son du groupe mêle, entre autres, des influences de pop rock, de jazz-rock fusion et de funk. Dans les années 1980, le groupe a souvent été critiqué et peu apprécié aux États-Unis, son pays d'origine, mais, après la mort du batteur Jeff Porcaro en 1992 et une évolution importante sur le plan du son, il a retrouvé un public international. Après douze disques studio, quatre albums live, sept Grammy Awards et bientôt trente ans de carrière à son actif, Toto a démontré qu'il occupait une place importante dans l'histoire du rock. Des hits tels que Hold the line, Africa, Rosanna sont des références qui ont donné une certaine notoriété à la bande.

Le groupe a enregistré en février 2006 Falling in Between avec son disque monoplage associé Bottom of Your Soul et, depuis la sortie du disque, effectue une tournée mondiale qui doit durer deux ans. De 1977 à 2007, Toto a effectué une trentaine de tournées internationales, donnant près de 1000 concerts.

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Holiday est le troisième single de la chanteuse américaine Madonna, sorti le 7 septembre 1983 ; il apparaît sur l'album Madonna, produit par Sire Records cette même année. Écrite par Curtis Hudson et Lisa Stevens, de Pure Energy, la chanson est proposée à Madonna par le producteur John Benitez alors qu'elle recherche un succès potentiel pour l'inclure dans son premier album. Le morceau est bâti autour de guitares, de sons électroniques d'applaudissements et de passages de cordes synthétisées, pendant que la chanteuse raconte les sentiments que chacun peut éprouver au sujet des vacances.

Commercialement, il s'agit de la première chanson de Madonna à entrer dans le top vingt du Billboard Hot 100 tout en ayant une bonne place dans le Billboard Hot Dance/Club Play Chart, le hit-parade dance américain. Holiday est aussi un succès international, entrant dans les hits parades de nombreux pays européens. Une réédition du titre, en 1985, atteint même la deuxième place du hit-parade au Royaume-Uni. Madonna chante Holiday dans beaucoup de ses tournées, la chanson étant généralement incluse dans le rappel ou servant de clôture de concert. Différentes interprétations de ce tube font partie des vidéos enregistrées lors des tournées. De nombreux artistes la reprennent, et elle apparaît aussi dans des génériques de sitcoms, comme Will et Grace.

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Telephone est une chanson sortie en 2010, enregistrée et écrite par la chanteuse américaine Lady Gaga, issue de son second album The Fame Monster avec la participation de Beyoncé Knowles. Gaga écrit initialement la chanson pour Britney Spears, toutefois, cette dernière refuse finalement d’ajouter le morceau sur son album Circus. Gaga récupère alors la chanson pour son album, invitant Beyoncé Knowles en tant que collaboratrice vocale suite à sa propre invitation sur le titre Video Phone de Beyoncé. Le sujet d'inspiration de cette chanson est la peur de suffocation de Gaga, d’être si oppressée par le travail au point de ne plus avoir de temps libre. Gaga explique que dans la chanson, l’interlocutrice du téléphone lui dit de travailler encore plus dur. Musicalement, Telephone est d’un style très diversifié, abordant un genre pop, électronique et dance. La chanson contient également quelques lignes R&B chantées par Beyoncé.

Telephone est apprécié par la critique contemporaine, celle-ci décrivant ce single comme une chanson très entrainante. Le morceau se classe dans les hit-parades de plusieurs pays, principalement en raison des ventes numériques lors de la sortie de The Fame Monster et, par la suite, des ventes physiques, atteignant ainsi de bonnes positions dans les classements en Australie, au Canada, aux États-Unis, en Hongrie, en Nouvelle-Zélande, aux Pays-Bas, en Suède et même la première place en Belgique, au Danemark, en Norvège et au Royaume-Uni. La chanson est interprétée pour la première fois en direct et en version acoustique lors des Brit Awards 2010, le 16 février 2010. La performance est un medley avec Dance in the Dark interprété en hommage au défunt styliste Alexander McQueen. Telephone est également ajoutée au Monster Ball européen, n’étant pas présente dans la partie américaine de la tournée.

Gaga explique que le vidéoclip de cette chanson est une continuation de celui de Paparazzi, et qu’il est aussi présenté comme un court métrage. Il présente Gaga dans une prison de laquelle Beyoncé l’aide à se libérer afin de se venger de son petit copain. Il rend un hommage à la carrière du cinéaste Quentin Tarantino. Le clip est accueilli de manière très mitigée par la critique.

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Halo est une chanson enregistrée par la chanteuse de R’n’B américaine Beyoncé Knowles. Elle a été composée par Ryan Tedder, Evan Bogart et Knowles pour le troisième album studio de cette dernière, I Am… Sasha Fierce, sorti en 2008. Le single, sorti le 20 janvier 2009, est le quatrième extrait de l’album aux États-Unis, et le troisième dans le reste du monde.

La chanson, initialement écrite pour Knowles, a fait objet de rumeurs selon lesquelles elle a été offerte par la suite à Leona Lewis. Kelly Clarkson, qui a travaillé avec Tedder, a en outre reproché à ce dernier d’utiliser le même arrangement musical que celui de Halo sur sa chanson Already Gone, sortie en 2009. Bien accueillie par les critiques de pop contemporaine, la chanson est modifiée à deux reprises, une fois pour rendre hommage à Michael Jackson après sa mort, et une deuxième fois en mémoire des victimes du séisme de 2010 à Haïti : Beyoncé interprète Halo lors de l’émission télévisée Hope for Haiti Now: A Global Benefit for Earthquake Relief, accompagnée de Chris Martin (Coldplay) au piano…

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Beyoncé Giselle Knowles (née le 4 septembre 1981), le plus souvent appelée Beyoncé (en anglais biˈjɒnseɪ), est une artiste R’n’B et pop, et également actrice et mannequin. Née et élevée à Houston au Texas, elle s’inscrit dans différentes écoles d’art scénique et participe à des concours de chant et de danse pendant son enfance. Beyoncé Knowles devient célèbre à la fin des années 1990 en tant que leader du groupe féminin de R’n’B Destiny’s Child, l’un des groupes féminins ayant vendu le plus de disques dans le monde.

En 2003, pendant la pause de Destiny’s Child, Beyoncé sort son premier album solo Dangerously in Love, qui contient les singles populaires Crazy in Love et Baby Boy. Le disque devient l’un des albums à succès de l’année et obtient également le record de cinq Grammy Awards. Après la dissolution du groupe en 2005, Beyoncé sort son second album studio, B’Day, en 2006. Il débute numéro un dans les classements Billboard et inclut les succès Déjà Vu, Irreplaceable et Beautiful Liar. Son troisième album solo I Am… Sasha Fierce, sorti en novembre 2008, inclut l’hymne Single Ladies (Put a Ring on It). L’album et ses singles gagnent six Grammy Awards, battant le record du nombre de Grammy Awards remportés par une artiste féminine dans une seule cérémonie. Beyoncé est l’une des artistes les plus honorées par les Grammys Awards avec seize récompenses dont treize en tant qu’artiste solo et trois en tant que membre des Destiny’s Child…

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Dangerously in Love est le premier album solo de la chanteuse américaine de R'n'B Beyoncé Knowles, sorti le 22 juin 2003 chez Columbia Records. L'enregistrement du disque a eu lieu de 2002 à mars 2003 dans plusieurs studios, durant la pause de son ancien groupe Destiny's Child. Principalement orienté R'n'B et soul, il est surtout composé de chansons aux rythmes rapides et de ballades, reprenant des éléments caractéristiques du hip-hop et de la musique arabe. Bien que Beyoncé soit restée discrète sur son interprétation des chansons, les journalistes musicaux attribuent les paroles à sa relation étroite avec le rappeur Jay-Z à cette époque.

Lors de sa sortie, Dangerously in Love fait de Beyoncé une star solo à part entière, l'album devenant l'un des plus vendus dans l'industrie du disque. Il débute numéro un au classement américain Billboard 200 et s'écoule à 317 000 exemplaires dès la première semaine. L'album est un succès commercial dans le monde entier, en devenant multi-disques de platines en Australie, au Royaume-Uni, et aux États-Unis. Malgré certaines critiques mitigées concernant ses ballades, Dangerously in Love reçoit des commentaires généralement positifs de la plupart des critiques musicaux et permet à Beyoncé d'obtenir cinq Grammy Awards. À ce jour, l'album s'est vendu à plus de onze millions d'exemplaires dans le monde entier.

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Sweet Dreams est une chanson de la chanteuse américaine de R'n'B Beyoncé Knowles tirée de son troisième album studio de 2008, I Am... Sasha Fierce. Écrite et produite par Beyoncé, James Scheffer, Wayne Wilkins, et Rico Love, la piste sort comme le sixième single de l'album. Elle est sortie aux États-Unis pour le Top 40 et les radios rythmiques contemporaines le 2 juin 2009. Le texte de la chanson décrit une belle relation que la chanteuse croit être un rêve.

Initialement appelée Beautiful Nightmare, la chanson fait l'objet d'une fuite en mars 2008 soit huit mois avant la sortie de l'album. Sweet Dreams bénéficie d'un large succès auprès de la critique musicale qui fait l'éloge de son « étincelle », de son « énergie », de son « ton sombre » et de son « son électro-pop ». Certains critiques musicaux ont même comparé la chanson avec Beat It de Michael Jackson. Sweet Dreams gagne en popularité avec son son électro-pop, qui est en contraste avec les singles précédents de la chanteuse qui sont teintés de R'n'B, d'urban, et de funk. Le clip vidéo est réalisé par Adria Petty et tourné dans Brooklyn à New York. Le costume de robot doré que porte Beyoncé, est conçu par le couturier français Thierry Mugler. La vidéo est bien accueillie par la critique dès sa première diffusion le 9 juillet 2009.

Sweet Dreams est promue par Beyoncé avec des performances live durant sa tournée mondiale et notamment par sa performance aux MTV Europe Music Awards 2009 le 5 novembre 2009. Le single atteint la première place du classement néo-zélandais. Il entre dans le top cinq en Australie, en République Tchèque, en Grèce, en Hongrie, en Irlande, en Russie, en Slovaquie et au Royaume-Uni. La chanson vaut à Beyoncé un disque de platine par l'ARIA, le RIANZ et le RIAA, et a été nommé pour le prix du choix des téléspectateurs à la cérémonie des BET Awards de 2010.

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Alejandro est une chanson de l’artiste américaine Lady Gaga. Il s’agit du troisième single issu de son deuxième album studio, The Fame Monster. RedOne produit et participe à l'écriture du titre, qui s'inscrit dans un style Europop avec un tempo moyen. Il adopte une mélodie exaltante, où Gaga chante avec un accent espagnol pour dire adieux à ses amants fictifs. Pour le morceau, Gaga s'inspire de sa peur du sexe. Pour la plupart positives, les critiques remarquent qu'ABBA et Ace of Base ont influencé la chanson de manière significative.

Alejandro se classe dans le hit-parade britannique avant sa sortie officielle, puis se place également dans le « top 5 » hongrois grâce au grand nombre de téléchargements de l'album. Le titre se classe également en Australie, au Canada, en Nouvelle-Zélande, en Suède, en Suisse, en Belgique ainsi qu'aux États-Unis, où il entre dans le top 10 du Billboard Hot 100 et devient ainsi le septième single de Gaga à réaliser ceci. La chanteuse interprète le titre dans le cadre de sa tournée The Monster Ball Tour, en l'introduisant par une simulation de scène sexuelle avec ses danseurs. Elle reprend aussi cette chanson dans la saison 9 de la téléréalité américaine American Idol, le 5 mai 2010...

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Bad Romance est une chanson de l’artiste américaine Lady Gaga. Il s’agit du premier single issu de son deuxième album studio, The Fame Monster. Le morceau est produit par le producteur marocain RedOne. Il est inspiré de la paranoïa que Gaga a vécue lors de sa première tournée, début 2009. Après le piratage de la version démo du morceau, Gaga interprète pour la première fois la chanson, lors de la semaine parisienne de la mode, au défilé printemps/été du styliste Alexander McQueen, le 6 octobre 2009. Cet événement est suivi par la sortie de la pochette officielle du single. Composée avec un tempo similaire aux précédents singles de Gaga, Bad Romance comporte une transition musicale parlée et des refrains. Le titre est écrit par Gaga lors de sa tournée The Fame Ball Tour et est associé à la musique allemande techno-house. Au niveau des paroles, elle évoque l’existence d'un amour avec son meilleur ami.

Les critiques contemporaines lui donnent pour la plupart des évaluations positives, comparant la chanson avec le second single de Gaga, Poker Face. Depuis sa sortie en 2009, Bad Romance a atteint le numéro un du hit-parade britannique, irlandais, canadien, suédois, allemand, autrichien et danois, ainsi que la seconde place du hit-parade américain, australien et néo-zélandais. Le vidéoclip musical l'accompagnant a lieu dans un pavillon de bains publics où Gaga est enlevée par des top-modèles qui la droguent et la vendent à la mafia russe pour qu’elle accomplisse des services sexuels. Le clip reçoit une réponse positive pour son innovation, sa folie et pour l'intrigue symbolique qui y règne...

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Tomorrow Never Knows est une chanson des Beatles, parue sur l’album Revolver, le 5 août 1966 au Royaume-Uni, et le 8 août aux États-Unis. Elle a été écrite par John Lennon mais créditée Lennon/McCartney, comme toutes les chansons du groupe composées par Lennon et Paul McCartney, en collaboration ou non.

Placée à la toute fin de Revolver, elle est pourtant la première à être enregistrée lors des sessions pour cet album. Par bien des aspects, ce titre révolutionnaire est une pierre de touche dans la carrière des Beatles. Il marque le début de leur période psychédélique et, par son motif rythmique obsédant, peut également être considéré comme précurseur de la musique techno. Influencé par la musique indienne et par ses expériences au LSD, John Lennon construit cette chanson sur un seul accord, le do.

C’est avec Tomorrow Never Knows que le jeune Geoff Emerick effectue ses débuts en tant qu’ingénieur du son du groupe aux côtés du producteur George Martin, le 6 avril 1966, et il fait, dès le départ, preuve d’une extraordinaire inventivité, pour satisfaire aux demandes de l’auteur de la chanson comme pour améliorer les techniques de prise de son. Une série de boucles sonores réalisée par Paul McCartney est injectée en direct dans le morceau lors d’une fameuse séance de mixage, lui donnant son aspect caractéristique.

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Burning Up est le deuxième single de la chanteuse américaine Madonna. Il apparaît sur l'album Madonna en 1983. La chanson est sortie le 9 mars 1983. Madonna présente une « démo » de la chanson à Sire Records, qui donne son accord pour l'enregistrement de la chanson après que son premier titre, Everybody, est devenu un succès dans les hit-parades dance américains. Madonna travaille avec le producteur Reggie Lucas et John Benitez, qui introduit les riffs de guitare. L'instrumentation de la chanson est constituée d'une guitare basse, d'un synthétiseur et d'une batterie. Les paroles décrivent la confiance de la chanteuse lors de sa déclaration d'amour à son amant.

Accompagnée de Physical Attraction sur sa face B, la chanson reçoit un avis mitigé des critiques, qui trouvent qu'elle est sombre, et a été composée dans la précipitation, mais apprécient toutefois ses rythmes dance. Le single n'a pas connu un grand succès commercial dans le monde, sauf dans les hit-parades dance, où il atteint la troisième place. Il est également apparu en bonne position dans le top 20 en Australie. Après quelques apparitions en direct dans les discothèques pour promouvoir le single, Madonna l'interprète durant son Virgin Tour, en 1985. Elle interprète aussi une version avec une guitare électrique en 2004 lors de son Re-Invention Tour. La chanson est également incluse dans la compilation Celebration, sortie en 2009...

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Lucky Star est le cinquième et dernier single de la chanteuse américaine Madonna, il apparaît sur l'album du même nom en 1983. La chanson sort le 12 novembre 1983 chez Sire Records. Elle apparaît également dans les compilations The Immaculate Collection sortie en 1990 et Celebration sortie en 2009. Lucky Star est écrite par Madonna et produite par Reggie Lucas. Toutefois, Madonna n'est pas enchantée par la version de Lucas et décide de faire appel à son petit ami de l'époque, John Benitez afin de remixer la piste selon ses idées. Lucky Star est une piste de rythme dance modéré de 108 battements par minute qui combine les rythmes lourds des percussions avec les sons d'une guitare jouant des longs riffs. Les paroles associent le corps masculin aux étoiles célestes.

Les critiques font l'éloge de la chanson, affirmant que le début de cette musique dance est entraînante. Lucky Star devient la première chanson de Madonna à entrer dans le « top cinq » du Billboard Hot 100 en atteignant la quatrième position et à y rester durant quinze semaines consécutives. Lucky Star est l'une des premières chansons de Madonna à se placer dans le « top cinq » du classement Billboard Hot Club/Dance en atteignant la première place et détrônant son précédent single Holiday qui se retrouve en seconde position...

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Borderline est le quatrième single de la chanteuse américaine Madonna, qui apparaît sur l’album du même nom. Il sort le 15 février 1984 sous le label Sire Records. Écrite et composée par Reggie Lucas, la chanson est remixée par John Benitez, le petit ami de Madonna. Dans cette chanson, qui traite d’un amour non respecté, elle compose sa voix pour faire passer davantage de sentiments. Les paroles sont écrites comme une rébellion envers le machisme.

Borderline reçoit un bon accueil de la presse, qui trouve qu’il s’agit musicalement de la chanson la plus complexe de son album et loue la nature dance pop du morceau. Dixième dans le classement Billboard Hot 100, c’est le premier top 10 de Madonna. À l’échelle internationale, la chanson entre dans le top 20 de nombreux pays européens, arrivant même en première place du hit-parade irlandais. En 2009, elle est classée en 84^e position de l’article The 500 Greatest Songs Since You Were Born du magazine Blender.

Le clip qui accompagne la chanson montre Madonna avec un homme d’origine hispanique présenté comme son petit ami. Elle est attirée par un photographe britannique, et devient son modèle, mais finit par retourner avec le premier homme. Le clip suscite l’intérêt des critiques musicaux, qui notent l’usage de l’autorité comme un symbole. En brisant le tabou des relations inter-raciales, avec cette vidéo, Madonna prend ce qui est considéré comme une des décisions majeures de sa carrière. Lorsque le clip est diffusé sur la chaîne MTV, la popularité de la chanteuse fait un bond en avant. Elle interprète cette chanson dans The Virgin Tour et Sticky & Sweet Tour. Borderline est reprise par plusieurs artistes, tels que Duffy et Counting Crows.

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Gambler est une chanson de l'artiste américaine Madonna. Il s'agit du second single de la bande originale du film Vision Quest. Il sort le 3 octobre 1985 sous le label Geffen Records. Gambler est le dernier single entièrement écrit par Madonna qui contacte John « Jellybean » Benitez pour produire la chanson et l'inclut plus tard dans le film. Gambler n'est jamais sorti aux États-Unis, à cause du label Sire Records. Le vidéoclip de la chanson est un extrait du film.

Musicalement, Gambler est une chanson synth-disco entraînante qui se compose de batteries, de sons d'applaudissements électroniques, de percussions, de synthétiseurs basses et de claviers. Les paroles racontent comment Madonna affirme son indépendance. Si les critiques expriment des points de vue mitigés, la chanson rencontre un certain succès commercial ; elle atteint le top 10 en Australie, en Belgique, en Irlande, en Italie, en Norvège, aux Pays-Bas et au Royaume-Uni. Madonna interprète la chanson uniquement lors du The Virgin Tour.

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Who’s That Girl est une chanson de l’artiste américaine Madonna, écrite pour la bande originale Who’s That Girl du film homonyme. Elle sort en single le 30 juin 1987 sous le label Sire Records comme premier single de l’album. Elle apparaît plus tard dans la compilation The Holiday Collection, qui accompagne The Immaculate Collection, et est incluse dans la grande compilation 2009 Celebration. Pendant le tournage du film, alors appelé Slammer, Madonna demande à Patrick Leonard de développer une chanson entraînante qui représente le caractère de son personnage. Elle ajoute plus tard les paroles et le chant pour enregistrer la démo produite par Leonard, et décide d’appeler la chanson et le film Who’s That Girl.

Présentant une instrumentation à base de batterie, de basse et de cordes, Who’s That Girl expose une fois de plus l’intérêt de Madonna pour la culture hispanique en incorporant des paroles en espagnol et utilisant l’effet d’une voix doublée. Bien qu’ayant reçu des critiques mitigées, la chanson devient le sixième numéro un de Madonna dans le Billboard Hot 100, et également numéro un au Royaume-Uni, Canada, Japon, Pays-Bas, Irlande et Belgique…

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Spotlight est une chanson de l’artiste américaine Madonna. Elle apparaît en 1987 sur sa compilation You Can Dance, et sort en single, uniquement au Japon, le 25 avril 1988, sous le label Sire Records. Au départ exclue des sessions d’enregistrement de l’album True Blue, Spotlight est écrite par Madonna, Stephen Bray et Curtis Hudson. Elle s’inspire de la chanson Everybody Is a Star, du groupe de rock américain Sly and The Family Stone. Spotlight est remixée par Shep Pettibone, puis par John « Jellybean » Benitez.

Spotlight présente une instrumentation de batteries, synthétiseurs basses et applaudissements, accompagnée d'échos vocaux, d’un segment de piano et de séquences de violon dans l’interlude musical. Les paroles évoquent la façon de devenir célèbre rien qu’en le chantant. Le morceau reçoit des critiques mitigées de la presse. Après sa sortie, Spotlight devient numéro trois au classement Oricon, au Japon. Même si elle n’est pas sortie aux États-Unis, Spotlight réussit à se classer dans le Billboard Airplay en 1988, en 32^e position. Elle est utilisée dans une publicité pour Mitsubishi, où elle apparaît pour promouvoir leur dernier magnétoscope.

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John Winston Ono Lennon MBE (né John Winston Lennon le 9 octobre 1940 à Liverpool, et mort assassiné le 8 décembre 1980 à New York) est un musicien, auteur-compositeur, chanteur et écrivain britannique. Il est le fondateur des Beatles, groupe musical anglais au succès planétaire depuis sa formation au début des années 1960. Au sein des Beatles, il forme avec Paul McCartney l’un des tandems d’auteurs-compositeurs les plus influents et prolifiques de l’histoire du rock, donnant naissance à plus de 200 chansons.

Adolescent, influencé par ses idoles américaines du rock 'n' roll, il est emporté par la vague de musique skiffle qui sévit à Liverpool et fonde en 1956 le groupe des Quarrymen, qui évoluent pour devenir, avec Paul McCartney, George Harrison et Ringo Starr, les Beatles. De Please Please Me en 1963, à Let It Be en 1970, les Beatles deviennent un des plus grands phénomènes de l’histoire de l’industrie discographique, introduisant de nombreuses innovations musicales et mélangeant les genres et les influences. Lennon occupe une place centrale dans cette réussite populaire, critique et commerciale, composant une bonne partie des succès du groupe. Les dissensions entre les musiciens, en particulier entre Lennon et McCartney, mettent fin à l’aventure en 1970.

Lorsque les Beatles se séparent, John Lennon se consacre à sa carrière solo, épaulé et inspiré par sa femme Yoko Ono, artiste japonaise d’avant-garde. Ono et Lennon forment alors un des couples les plus médiatisés du monde, aussi bien pour leur musique que pour leur engagement politique. Ils créent le Plastic Ono Band, groupe à géométrie variable où ils sont accompagnés d’amis sur scène et en studio. En 1971, John Lennon compose l’une de ses chansons les plus emblématiques, Imagine ; l’album du même nom est également son plus grand succès commercial en solo. Lennon se retire de toute activité publique en 1975 pour s’occuper de son fils nouveau-né Sean, puis reprend sa carrière en 1980, quelques semaines avant d’être assassiné par Mark David Chapman, devant sa résidence du Dakota Building à New York.

Outre sa musique, Lennon est également célèbre pour ses nombreuses prises de positions, notamment pacifistes, à partir de la fin des années 1960. Ses activités et son engagement, notamment contre la guerre du Viêt Nam, lui valent des ennuis réguliers avec le gouvernement des États-Unis, qui tente de l’expulser. Personnalité complexe, il fait preuve d’un humour acerbe, teinté d’absurde et de non-sens, et se démarque également par son caractère parfois violent et conflictuel, en contradiction avec son image de représentant de l’idéal pacifiste. Il montre des talents dans les domaines de la peinture et de l’écriture, joue dans plusieurs films, et réalise des courts-métrages expérimentaux.

Trente ans après sa mort, il est l’un des artistes les plus populaires du XX^e siècle et incarne le mouvement pacifiste peace and love des années 1960 et 1970. Un rassemblement à sa mémoire continue d’avoir lieu à New York chaque 8 décembre, date de sa mort, et plusieurs mémoriaux sont érigés en son honneur à travers le monde.

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Beatles for Sale est le quatrième album des Beatles, paru le 4 décembre 1964 au Royaume-Uni. Il est conçu alors que la Beatlemania bat son plein, dans la foulée de la sortie de l’album A Hard Day's Night. Selon la volonté du manager Brian Epstein et du producteur George Martin, le groupe doit, à cette époque, respecter un rythme de deux albums par an, celui-ci devant paraître à temps pour les fêtes de fin d’année. Il est donc rapidement enregistré aux studios EMI, en sept journées de travail éparpillées entre août et octobre 1964.

Les Beatles ont alors acquis une popularité planétaire, ils sont harassés par les tournées internationales, les concerts quasi quotidiens et la folie qui les entoure, ce qui se reflète notamment dans la pochette et les thèmes sombres de leurs chansons.

Alors que toutes les chansons de A Hard Day's Night étaient signées Lennon/McCartney, Beatles for Sale est marqué par le retour des reprises de rock 'n' roll. Pressés par le temps, littéralement poussés vers les studios, les Fab Four enregistrent ici ce qui constitue leur répertoire de scène du moment, incluant six reprises et huit chansons originales, nouvellement composées ou plus anciennes. L’album innove cependant dans plusieurs sens, avec des chansons plus personnelles de la part de John Lennon, et le recours plus fréquent à des techniques de studio pour peaufiner les enregistrements.

En Grande-Bretagne, Beatles for Sale passe sept semaines en première place des hit-parades, délogeant A Hard Day's Night du sommet, et reste quarante-six semaines en tout dans les classements. Il ne paraît pas sous cette forme aux États-Unis : onze jours après la version britannique, il est édité par Capitol Records avec une pochette, une liste de chansons et un nom différents, Beatles '65. De plus, certains titres n’apparaissent que sur l’album suivant, Beatles VI. Ce qui n'empêchera pas les deux albums, sortis à un mois d'intervalle, de rester à la première place du Billboard, pendant plusieurs semaines de suite.

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Let It Be est le douzième et dernier album original publié par les Beatles, paru le 8 mai 1970 au Royaume-Uni, et dix jours plus tard aux États-Unis. Au moment de sa sortie, le groupe est déjà officiellement séparé, depuis une annonce faite par Paul McCartney le 10 avril. Les chansons présentes sur ce disque ont été enregistrées plus d’un an avant leur parution, l’essentiel étant mis en boîte en janvier 1969, avant la réalisation de l’album Abbey Road, publié en septembre 1969. Pour cette raison, Let It Be n’est pas considéré comme l’ultime album des Beatles, puisqu’il n’est pas le dernier enregistré.

L’album, supposé paraître à l’été 1969 sous le titre Get Back, est conçu au départ comme un retour aux sources : quatre musiciens jouant du rock dans des conditions live. De plus, le tout doit déboucher sur un film. Mais les difficultés, qu’elles soient d’ordre relationnel ou logistique, s’accumulent durant sa réalisation. Insatisfaits du résultat, les Beatles abandonnent le projet. Hormis trois chansons issues de ces sessions — Get Back, Don't Let Me Down et Let It Be — publiées en single, les kilomètres de bandes enregistrées en un mois sont, dans un premier temps, rangées au placard, avant qu'Allen Klein, le nouveau manager du groupe, ne décide de les confier au producteur américain Phil Spector, sans consulter Paul McCartney. En mars 1970, Spector post-produit toutes les chansons à sa manière, rejette Don't Let Me Down de la liste, et le disque paraît finalement en mai sous le nom de Let It Be, en même temps que le film du même nom.

Ce dernier album officiel des Beatles est initialement commercialisé sous la forme d’un coffret incluant le disque vinyle et un livre. L’album seul n’est disponible qu’en novembre. Il bat tous les records de pré-commandes avant parution aux États-Unis.

Let It Be est le seul album du groupe, avec A Hard Day's Night, sur lequel Ringo Starr ne chante pas. C’est, par ailleurs, l’unique œuvre des Beatles où George Martin, quoique présent au début du projet, n’est pas crédité en tant que producteur. Quant au travail de Phil Spector, il est sujet à controverse, et entraîne, 33 ans plus tard et sous l’impulsion de Paul McCartney, la publication d’une version « déspectorisée » : Let It Be… Naked.

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Steve Reich, né Stephen Michael Reich le 3 octobre 1936 à New York, est un musicien et compositeur américain de renommée internationale. Il est considéré comme l’un des pionniers de la musique minimaliste, un courant de la musique contemporaine jouant un rôle central dans la musique classique des États-Unis. Pour caractériser son œuvre, et spécialement ses compositions de la période 1965-1976, il préfère utiliser l’expression « musique de phases » (traduite de l’américain Phasing), qui fait référence à son invention de la technique musicale du déphasage. À partir de 1976, il développe une écriture musicale basée sur le rythme et la pulsation avec l’une de ses œuvres les plus importantes, Music for 18 Musicians, qui marque le début de son large succès international. Dès lors reconnu comme un compositeur contemporain essentiel, il oriente son travail de composition autour de la mise en musique du discours, notamment dans des œuvres multimédia associant la vidéo créées en collaboration avec son épouse Beryl Korot.

Bien qu’ayant joué un rôle central dans l’évolution de la musique contemporaine, et, par ses œuvres, influencé des artistes au-delà de son champ de création, comme en musique électronique et en danse contemporaine, Steve Reich reste toutefois un compositeur peu prolifique qui n’a écrit, durant l’ensemble de sa carrière, qu’une cinquantaine de pièces distinctes. Celles-ci lui ont cependant valu de nombreux prix et distinctions internationaux et font l’objet d’une très importante discographie.

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Carrie Marie Underwood (née le 10 mars 1983 à Muskogee, dans l'Oklahoma) est une chanteuse et auteure américaine. Son univers musical est proche de la country et de la pop. Elle est la gagnante de la quatrième saison d’American Idol aux États-Unis en 2005. Son premier album, Some Hearts, sorti en novembre 2005, est certifié sept fois disque de platine par la RIAA. Il devient l’album country qui s’est vendu le plus rapidement au classement album américain (Nielsen SoundScan). Some Hearts contient trois chansons devenues numéro un dans les classements américain et canadien : Jesus, take the wheel, Wasted et Before He Cheats. Some Hearts se vend à plus de sept millions d’exemplaires, et devient la meilleure vente pour un premier album dans l’histoire de la musique country.

Son second album, Carnival Ride, sort le 23 octobre 2007. Il se vend à trois millions d’exemplaires aux États-Unis, et contient trois tubes : So Small, All-American girl et Last Name. En deux albums, la chanteuse réussit à vendre dix millions de disques...

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Une chambre en ville est un film musical dramatique français de Jacques Demy, sorti en 1982.

Sur fond de grèves et de conflits sociaux, à Nantes, François, un ouvrier en lutte, et Edith, une fille d'aristocrate, mal mariée à un bourgeois, s'aiment éperdument sous l'œil désabusé et impuissant de la veuve d'un colonel, mère d'Edith, chez qui François a pris la chambre en ville du titre.

Salué par la critique, mais boudé par le public à sa sortie, Une chambre en ville, entièrement chanté comme le sont Les Parapluies de Cherbourg, est beaucoup plus sombre que la plupart des films de Demy. Il exprime sa part d'ombre et permet de reconsidérer l'œuvre du réalisateur sous une autre perspective.

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Denez Prigent, né le 17 février 1966 à Santec dans le Finistère, est un auteur-compositeur-interprète français de chants bretons. Ses genres de prédilection sont le kan ha diskan, chant et contre-chant à danser, et la gwerz, chant dramatique racontant une histoire ou une légende. Depuis ses débuts sur scène à seize ans, il s'est fait connaître en interprétant des chants traditionnels a cappella, puis en renouvelant la musique bretonne par des textes originaux accompagnés d'une musique mêlant instruments acoustiques et échantillons électroniques. Auteur de cinq albums studio, d'un live et d'un best-of, il donne régulièrement des concerts en France et dans d'autres pays.

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Amália da Piedade Rebordão Rodrigues (Lisbonne, 23 juillet 1920 – Lisbonne, 6 octobre 1999) est une chanteuse, fadiste et actrice portugaise. Elle est d'ordinaire connue plus simplement sous le nom d'Amália Rodrigues (/ɐˈmaliɐ ʁuˈdɾiɡɨʃ/). Sa sœur cadette, Celeste Rodrigues, deviendra elle aussi une fadiste.

Surnommée Rainha do Fado (« Reine du fado »), Amália est la fadiste qui a le plus popularisé le fado dans le monde. Elle a enregistré plus de 170 disques au cours de sa vie. Elle a aussi été l'une des plus grandes ambassadrices culturelles du Portugal. Sa voix lui a valu une réputation internationale.

Elle a eu une carrière d'enregistrement et de représentations de 40 années. Sa notoriété devient internationale durant la période 1950-1970, mais ses liens assez troubles avec le régime du dictateur António Salazar lui valent un retrait de la scène pendant une dizaine d'années après la révolution des œillets de 1974...

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Fantasia est le troisième long-métrage d’animation et « Classique d'animation » des studios Disney, sorti à la fin de l'année 1940. Sa production a été lancée peu après Blanche-Neige et les Sept Nains (1937), en parallèle de Pinocchio sorti au début de l'année 1940.

Ce film est une expérimentation sans dialogue dont le but est d'illustrer ou d’accompagner avec l'animation des thèmes de la musique classique. Huit extraits musicaux, joués pour la plupart par l'orchestre de Philadelphie sous la direction de Leopold Stokowski, composent les sept séquences de ce dessin animé. C'est aussi pour de nombreux auteurs et critiques une œuvre d’art d’un genre nouveau, un pont entre les arts et une « nouvelle forme de présenter l’art » (un nouveau média).

Les huit œuvres musicales choisies sont :

• Toccata et fugue en ré mineur de Jean-Sébastien Bach ;
• différents extraits du ballet Casse-Noisette de Piotr Ilitch Tchaïkovski ;
• L'Apprenti sorcier de Paul Dukas ;
• Le Sacre du printemps d'Igor Stravinski ;
• la Symphonie n^o 6 de Ludwig van Beethoven ;
• la Danse des heures, ballet tiré de l’opéra La Gioconda d’Amilcare Ponchielli ;
• Une nuit sur le mont Chauve de Modeste Moussorgski et l’Ave Maria de Franz Schubert, présentés dans la même séquence.

Fantasia, qui n'eut pas à sa sortie le succès habituel des productions Disney de l'époque, est le premier volet d'une série voulue par Walt Disney. Grâce à la volonté de Roy Edward Disney, neveu de Walt, un second volet Fantasia 2000 est sorti en 1999.

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Fantasy est une chanson de l'interprète américaine Mariah Carey issue de son cinquième album studio, Daydream. Il est le premier single de l'album et sort le 12 septembre 1995 sous le label Columbia Records. La chanson a été écrite par Carey et Dave Hall qui sont aussi les producteurs. Elle reprend un passage de Genius of Love par Tom Tom Club sortie en 1982. Un remix contient quelques passages de rap par Ol' Dirty Bastard car Carey admire beaucoup le hip-hop.

La chanson reçoit beaucoup de critiques positives, certains complimentent l'échantillonnage de Genius of Love. Elle connaît un fort succès mondial et plus particulièrement aux États-Unis. Elle devient la seconde chanson dans l'histoire du magazine Billboard à débuter en première place du Hot 100 et la première pour une femme ; elle conserve cette position durant huit semaines. Fantasy rencontre un immense succès dans le monde et devient numéro un en Australie, Canada et Nouvelle-Zélande, et atteint le top 5 en Belgique, Finlande, France et Royaume-Uni.

Carey interprète la chanson dans de nombreuses apparitions télévisuelles et cérémonies, notamment la 23^e cérémonie des American Music Awards en 1996, mais aussi l'émission britannique Top of the Pops. Elle la reprend durant le Daydream World Tour et dans d'autres tournées. Fantasy apparaît aussi dans les compilations Number 1's, Greatest Hits et Playlist: The Very Best of Mariah Carey.

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Dance in the Dark est une chanson écrite et enregistrée par l’artiste américaine Lady Gaga. Il s'agit du quatrième et dernier single issu de son deuxième album studio, The Fame Monster. Sorti en 2009, il s'inspire de l’expérience intime vécue par deux personnes dans une chambre à coucher. D'après Lady Gaga, le morceau parle « d’une fille qui n'aime le sexe que lorsque les lumières sont éteintes car la vue de son propre corps la rend malade ». L'artiste explique avoir été sensibilisée aux peurs de certaines femmes en travaillant aux côtés de l’association caritative MAC AIDS Fund et que la chanson n'a pas pour sujet la liberté mais plutôt le manque d’assurance qu'elle a observé chez certaines femmes. Le titre devait initialement sortir en tant que troisième single de l'album, juste après Telephone mais, suite à des désaccords entre Gaga et son label, Alejandro l’a remplacé.

Malgré des influences rétros-pops et new wave, Dance in the Dark reste fidèle à l'image sombre propre à l'album. Ainsi, le morceau débute par une introduction durant laquelle Gaga bégaye quelques mots, puis se poursuit par un couplet de paroles au cours duquel elle récite le nom de plusieurs personnalités mortes tragiquement. La chanson reçoit principalement des avis positifs de la part des critiques. Bien que n'étant sortie qu'en tant que single promotionnel, elle se classe dans quelques pays, tout d’abord au Royaume-Uni, puis aux États-Unis dans le classement du Billboard, Bubbling Under Hot 100 Singles. Plus tard, elle atteint le top 50 en Belgique, le top 30 en Australie et le top 10 en Slovaquie, en Hongrie ainsi qu'en République tchèque...

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The Fame Monster est le deuxième album, ou dans certains cas considéré comme le troisième maxi, de la chanteuse américaine Lady Gaga. Il sort le 18 novembre 2009 et contient huit chansons qui devaient à l’origine être ajoutées dans une réédition du premier album de Gaga, The Fame. Toutefois, après des pourparlers avec Interscope, le label de Gaga, l’album est vendu séparément et devient donc une œuvre autonome. Une version super deluxe de l’album, nommé Fame Monster Pack contient les deux disques en plus de marchandises additionnelles, incluant une mèche d’une des perruques de Gaga, sort le 15 décembre 2009.

L’album traite de la facette plus sombre de la célébrité que Gaga a vécue lors de sa tournée The Fame Ball Tour de 2008 à 2009, durant laquelle elle a traversé le monde. Chaque piste incarne un monstre, qui est une métaphore pour représenter une peur. Gaga compare le thème de son premier album et celui de The Fame Monster avec le Yin et le Yang. Photographiée par Hedi Slimane, la pochette de l’album est de style gothique, esthétique que les membres de la maison de disques de Gaga n’ont pas approuvée jusqu’à ce que celle-ci les convainque d’accepter la thématique de la séance photo. La composition de l’album est puisée dans la musique gothique et dans les défilés de mode. Bien reçu par les critiques musicaux, l’album est salué pour les chansons Bad Romance, Telephone ainsi que Dance in the Dark…

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Tik Tok (stylisé en TiK ToK) est une chanson de l’artiste américaine Kesha. La chanson est produite par Benny Blanco et Dr. Luke et coécrite par Benny Blanco, Dr. Luke et Kesha. Le single sort le 7 août 2009 et est le premier de son premier album intitulé Animal. Au début, les paroles de la chanson étaient censées parler de l’état de Kesha quand elle rentre d’une soirée arrosée. Elle a l’habitude d’écrire quelques mots d’une chanson, puis le lendemain matin, elle se réveille et raconte son histoire. Les premières paroles viennent d’une expérience vécue dans laquelle Kesha s’est réveillée un matin entourée de « belles femmes », cela lui faisait penser à Diddy dans un scénario similaire. Globalement, les paroles disent de ne rien laisser tomber.

Tik Tok reçoit des avis très partagés de la part des critiques musicales professionnelles. Plusieurs clamant que les paroles représentent les célébrations de tout genre et le mode de vie fêtard, d’autres affirmant que le morceau est très « irritant » et qu’il ressemble trop aux précédents singles des chanteuses comme Lady Gaga et Uffie. Malgré cela, la chanson obtient un immense succès commercial, trônant sur les hit-parades de plus de douze pays différents. La piste est particulièrement populaire aux États-Unis où elle devient le single ayant accumulé le plus de ventes numériques en une semaine, suite à ses 610 000 copies écoulées. En juillet 2010, il est confirmé que le single s’est vendu à plus de cinq millions exemplaires numériques aux États-Unis. Par la suite, le single est certifié septuple disque de platine au Canada, quintuple disque de platine aux États-Unis et en Autriche, quadruple disque de platine en Australie, double disque de platine en Espagne, Italie et Nouvelle-Zélande, disque de platine en Allemagne, Danemark et Suisse, et disque d’or en Belgique (Flandre et Wallonie), Finlande, France, Japon et Suède…

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Bruno Mars, né Peter Gene Hernandez le 8 octobre 1985 à Honolulu (Hawaï), est un auteur-compositeur-interprète et producteur de musique américain. Il grandit dans une famille de musiciens et fait ses débuts dans la musique en produisant d’autres artistes, au travers de l’équipe de production The Smeezingtons avec Philip Lawrence et Ari Levine.

Il se fait connaître avec le titre Nothin’ on You de B.o.B, puis Billionaire de Travie McCoy, avant la sortie mondiale de son premier album Doo-Wops & Hooligans en 2010. Il co-écrit également de nombreux titres dont Right Round de Flo Rida, Wavin’ Flag de K’naan ou Fuck You! de Cee Lo Green. En 2011, il est nommé à sept reprises aux 53^e Grammy Awards, pour meilleure chanson rap, meilleure collaboration rap/chant, enregistrement de l’année avec les chansons Nothin’ on You et Fuck You!, chanson de l’année avec Just the Way You Are, meilleure chanson pop d’un artiste masculin avec Just the Way You Are, et producteur de l’année avec The Smeezingtons, lors desquels il remporte le prix du meilleur chanteur pop avec la chanson Just the Way You Are. L’année suivante, il est nommé à six reprises aux 54^e Grammy Awards, pour l’enregistrement de l’année, chanson de l’année et meilleur chanteur pop pour la chanson Grenade, et album de l’année pour son premier album studio.

La musique de Bruno Mars est un mélange entre différents styles musicaux. Il travaille avec des artistes aux genres musicaux variés ; ces collaborations se retrouvent dans sa propre musique. Enfant, il est très influencé par des artistes comme Elvis Presley et Michael Jackson. Mars s’inspire également du reggae et des sons de la Motown.

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Electronic Sound est le deuxième album solo de George Harrison, sorti en 1969, alors qu’il est encore membre des Beatles. Cet album aux tonalités expérimentales est, comme son nom l’indique, composé de « sons électroniques » joués sur un synthétiseur Moog. Sur deux longues pistes, qui occupent chacune une face du 33 tours, le musicien expérimente cet instrument qu’il a récemment découvert. La pochette est ornée d’un dessin d’enfant de Harrison.

L’album est publié sous le très éphémère Zapple, sous-label d’Apple Records consacré aux disques expérimentaux (qui ne publie qu’un autre album). Il sort en mai 1969 des deux côtés de l’Atlantique et connaît un accueil commercial confidentiel : il n’entre pas dans les charts britanniques et n’arrive qu’à la 191^e place des classements américains.

La critique est divisée concernant cet album. Il est tantôt considéré comme un poème abstrait, tantôt comme un simple test préfigurant l’utilisation plus concrète et aboutie du Moog sur l’album Abbey Road quelques mois plus tard. En 1996, l’album est réédité au format CD, mais les deux pistes sont inversées et voient leurs titres et compositeurs échangés.

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